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“把价格抬高,再抬高”,是艺术品定价的唯一秘密吗?

2017-12-06 17:53:20   第一财经APP

编者按:

人们往往会对拍卖行、画廊的某些艺术品的身价感到惊奇,为什么一幅画能卖这么贵?谁在给它们定价?

阿姆斯特丹大学社会学系助理教授奥拉夫·维尔苏斯在《艺术品如何定价》中,明确提出,比艺术品的价格更值得探究的,是制定它的过程——它体现的是艺术家、画廊老板、拍卖行、收藏家等艺术交易参与者的角色和相互关系,从中可以窥见艺术市场特殊的游戏规则。

作者近距离观察了纽约和阿姆斯特丹艺术市场中,文化和社会的真实联系,访谈了几十位艺术品商人。在这里,价格的变动不完全受供求关系影响,获取利润也不是艺术品商人的唯一诉求。如何巧妙地处理好这些关系,才能为艺术品找到一个合适的定价。

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20世纪早期的荷兰艺术品商人J.H.德柏(de Bois)在他自己主编的一本季刊上,叙述了他去瑞士旅行时在他的手提箱中随身携带了19世纪荷兰艺术家马蒂斯· 马瑞斯(Matthijs Maris)的自画像。这次旅行的目的是要向一位收藏家展示该画,并以理想的价格出售它。到达瑞士边境的时候,德柏意外地被当局带走了。

当时一位海关人员检查了他的手提箱,拿出了那幅画。经过仔细检查,当局决定“该物品必须征收进口税”。当德柏明白他需要支付关税时,马上意识到他带的钱不足以支付这幅画的关税,因为这幅画价值昂贵,尽管还不能确定具体的数额。与此同时,海关人员将画带到他的一位同事那里,将画过秤,按照物品的重量计算出了应缴的关税,然后回到德柏那里,向他征收了13.50法郎—一个可以忽略的金额。

德柏在瑞士边境面对了一种决定物质产品价值的定价脚本,尽管它在当代艺术市场的语境中是一个反常的例子。在整个艺术史上,不同的定价脚本曾经用来决定单个艺术品的价格。在意大利,直到文艺复兴时期,在北欧,直到16世纪,画家总体而言都被视为工匠。当时的艺术家不会因为其独创性而获得奖赏,而是必须执行教堂、法院,或雇用他的私人委托人的愿望。在很多例子中,一幅画的人物肖像方案都不是画家自己提出来的,而是由顾客提出来的。当时的人们对于购买复制品安之若素,尽管在今天看来拥有一幅原作是理所当然的,但这对那时的买家来说却不那么重要。

在中世纪晚期和文艺复兴早期,委托人无须为艺术家的原创性或艺术天才,以及艺术品的独特性等难以捉摸的价值给予回报,当时在艺术家和委托人之间签订的合约大多是关于作品的材质和主题等方面。创作一件镶嵌画或壁画的劳动时间和材料耗费构成了当时定价脚本的主要规则。颜料的用量和名贵程度都在合约中详细规定;作为劳动时间的替代变量,当时也可以用描绘人物的数量来衡量艺术家的人工成本。

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